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（圖片來源：華映娛樂提供）
家玲的父親曾是知名的乒乓球選手，如今父親成天跟著一位穿著打扮豔麗的阿姨出入，說是要攀關係賺錢。她的母親經營便當店二十年，受制於家庭，無法追求渴望的人生，而對生活感到失落。家玲熱愛拳擊，在泰爸經營的拳擊館受訓，家玲強悍的拳風逐漸在地下拳賽打出一片天。弟弟家義承襲父親的衣帛成為乒乓球選手，卻對成績不太在意，總覺得差不多就好。
「打拳真真假假，這就叫做戰術運用。」
《恨女的逆襲》有著低氣壓的情節，整部片都在講人生中的各種「假」：父親躲在美女阿姨的家中，假裝自己還能谷底翻身、母親守著家庭，假裝一切無恙、泰爸說他教人打拳，實實在在，絕不做假。但來到地下拳賽，一個眼神，一句叮嚀的話，就能改變拳賽的勝負。家玲認為泰爸的言行矛盾，教真拳打假賽，那輸或贏怎麼判定？又或者，懂得看人臉色、懂得妥協、懂得輸就是贏的道理，才是現實的「真」樣貌？
家玲喜歡打拳，或許是因為運動的世界很單純，不是贏，就是輸，一翻兩瞪眼。但當是運動也不再單純了呢？當身邊的大人和那些懂得成人遊戲的同儕，都在灌輸同一種道理「人在江湖，身不由己」，人生只能妥協嗎？
《恨女的逆襲》從開場就一路書寫著角色們的各種困境：風光不再的父親、失去生命光彩的母親、資源不足的拳擊手與體育系學生之間的差距、找不到人生目標又茫然的弟弟，還有層層疊疊壓榨的權力結構，讓人無力脫身。所有的人都在電影中頻頻認輸，甚至要不認輸的家玲學聰明點，趕快加入他們的行列。光看劇情，會不會覺得這部片一定苦澀到了極點，一定讓人看得頭上烏雲罩頂？但，令人驚喜的是，《恨女的逆襲》一點都不悶，它始終有一口氣，想要爆發出來。
「你的防守不好，所以要練抗打!」
《恨女的逆襲》的迷人，在於它沒有否定任何一個人的選擇，而是有人為了追夢，被打得鼻青臉腫還覺得很爽的同時，也放開心胸擁抱「有時候輸就是贏」這樣不夠熱血的論述（不是每個人都能在人生的拳賽中撐下去）。《恨女的逆襲》也沒有在影片的最後一刻，突然來個大翻轉，讓所有事情被圓滿解決，而是不厭其煩地，去理解每個角色背後的辛酸。
這是李宜珊導演的首部長片（意外她居然沒入圍新導演），有不少令人眼睛一亮的設計，例如母親的雙人舞和早年與丈夫的爭執的對比，前者的快樂映照出過往的不堪，是個神來一筆又有意思的設計（每一段關係就像是一場雙人舞，只是跳得開心或不開心、有默契或沒默契的差異）。我也喜歡家玲眼中看出去的世界，看似充滿憤怒，實則溫柔，不管是幫弟弟和爸爸準備便當、跟母親的心碎喊話（有一幕她跟母親的對手戲差點逼出我的淚水），還有對乒乓球教練的態度改觀等，家玲都是一個直率而讓人心疼的孩子。
不得不說，《恨女的逆襲》的人物寫得真好，各個有血有肉，毫不扁平。例如很可能會流於負面的父親一角，在片中總會不時流露出他或無奈、或軟爛、或溫柔的一面，想要氣他卻又會被逗笑（愛死檳榔樹的設計，像是在暗示父親看不清真正真實的東西）。泰爸是那種嘴上嚴厲，私下獨自承擔很多事情的長輩，有一股安心的力量。而夏靖庭飾演的拳擊經紀人，出場極少，但導演光用幾場戲就把這個老江湖角色給勾勒得活靈活現。
另外，編劇沒有把家玲姊弟倆寫成叛逆的青少年，絕對是本片的大亮點！喜歡家義從對生活的茫然，變成幫忙姊姊一起訓練的人，彷彿在幫助姊姊的過程中，也短暫找到了生活的目標。而家玲在片中時常受到打壓（從家庭到拳擊場上與場外），但別人越是勸她要學聰明，她越是抗拒。家玲在拳擊場上的表現，就跟她的個性一樣：很常被挨打（生活的磨難），但她很耐打。
去年金馬獎入圍作品中，飾演家玲的李怡婷，入圍了金馬獎的最佳新演員，表演非常打動我，可動可靜，可塑性高。影片也入圍並獲得動作設計獎，本片的動作場面確實好得沒話說，印象中，這應該是台灣電影中，我看過最扎實好看的拳賽場面，不花俏，很有實感！
從《我家的事》、《深度安靜》、《大濛》、《左撇子女孩》到《恨女的逆襲》，台灣去年其實交出相當亮眼的成績單，而且它們都不曲高和寡，都在努力地與觀眾對話。《恨女的逆襲》除了結尾有幾場戲稍稍拖累了影片的節奏外，其他各方面都很出色，大推！

「一個人從生到死會有好多個名字，這是我這一生的故事。」
小瀨因為從小親眼見到母親遭撞過世的意外，變得寡言。他的父親是知名偶像團體的明星，養父則是無名小卒。他繼承了父親的俊帥外貌與舞蹈才能，但他卻對所有人維持冷漠（害怕投入感情）。他刻意與一切保持距離，生活卻仍不斷找上他...
人生是什麼？這個題目太龐大，一部時空橫跨百年的作品，僅只有一個半小時的長度，只能透過頻繁的剪輯呈現。美國人拍這個題目，成了如詩如畫的《火車大夢》，日本人則拍成意識流的《無名の人生》。這兩部片都從一個人的生命，以及他們周遭的人事物，反映出時代的樣貌，看見了人類生命的盛大與渺小。
導演鈴木龍也一人包辦多職完成這部有趣的作品，《無名の人生》或許不是個能引起廣泛共鳴的作品，它的動畫技術陽春，劇情後段又有著《2001太空漫遊》的既視感，非常鬧也非常跳躍，但這樣的作品，卻有一種私密的美感，它像是一面鏡子，我們在這部片看到了什麼（霸凌、醜聞、戰爭、未來），其實就是我們對生命的想法，一如劇中的小瀨，他那被「推著前進」的生活，儼然是劇中所有角色慾望投射的目標，有人將他視為好友、有人把他看做情人（或敵人）、也有人把小瀨視為偶像、鬼魂，甚至神明。小瀨是一個個體，又是各種幻想的綜合體，海納一切。
說到底，人生就是對自己對他人（或他人對你）的期待與失落、需求與被需求的無間道。相似的故事上演又落幕又重新上演，毫無意義卻也充滿意義。

「不要告訴我們，告別童年就代表長大。」
原來我沒看過山下敦弘的《琳達！琳達！》啊，一看愛得不得了，青春到內心一直在放煙火。
校慶前，樂團兩名創始團員小惠和小凜因為吉他手小萠的手傷而起了爭執，小凜退社，小惠堅持要在校慶表演出團。小望擔任貝斯手、響子是鼓手、小惠暫代吉他手，還缺一個主唱，該怎麼辦？三人商量，第一個走過她們面前長廊的人，就邀請他擔任主唱吧。而來自韓國的留學生小宋，就這樣陰錯陽差，成了主唱...
《琳達！琳達！》有著我喜歡的青春電影模樣，第一幕戲沒怎麼交代前因和後果，故事直接下，小凜和小惠已經鬧翻，團員對於下一步該怎麼辦沒有定奪，而事情就在「我們來做吧」的決定後，快速動了起來。高中即將結束，校慶開演在即，短短的三天內，每個人都快速燃燒自己，是不想留有遺憾，也是想留下回憶，更是在練團的過程中，綻放出共患難的情誼。
青春為何如此令人難忘什麼？因為吵架就吵架，就算錯過這次的合作，一個善意的笑容，一句簡單的加油，好像就能放下一些埋怨。因為畢業在即，人們有了危機感，想在結束高中生涯之前，為自己拼一把，有人大膽示愛，也有人始終說不出口，但那都沒關係，誰的青春沒有留下過遺憾？也因為一種歸屬感，第一次感受到家庭與學業之外，更重要的事，一起練團到半夜三更、一起為對方的愛情打氣、一起在大雨中奔跑，只為能趕上演出。
青春為何如此令人難忘？很多事情都沒有太多的算計，愛就愛，不愛就不愛，甚至連語言和文化，都能被輕易地跨過（安排一個韓國留學生，實在是一個太迷人的設計），簡單到讓人懷念不已。所以在這部片中，有些配角的過場（即便篇幅極少），也是讓人過目難忘。例如屋頂天臺的「漫畫店」，悠閒自在到讓我好想跟著去屋頂看漫畫、看似嚴肅的級任老師，發現小惠等人半夜偷溜進校園練團也不阻止，因為在她們的身上，看到了自己曾有的熱情、或是原本無法上場的夥伴，為了來不及登台的朋友們，義氣上場演唱，天籟美聲卻讓學生們著迷不已。
《琳達！琳達！》的美好，就像小惠的同學所說：「要大家一起才好玩。」道盡了一切，因為你們，才讓我（們）的高中如此耀眼。那麼畢業之後呢？也許告別童年真的代表長大。但，如果你能在這部片感受到一點點的熱力，感受到一股豐沛的生命力，感受到青春的脈動，也許，你的心也還留有那最純真的一面吧。
大推給所有看過或沒看過《琳達！琳達！》的人，好電影就是能撐過時間的考驗！

Team TAIWAN, Team TAIWAN, Team TAIWAN!
在震耳欲聾的歡呼聲中，我們是否會更認同自己、更相信生活與成長的土地一些？
2026 年的第一部片就用《冠軍之路》揭開序幕，故事都很熟悉，在世界棒球 12 強冠軍賽中，台灣擊敗日本隊，奪下冠軍。那一刻，全台灣的棒球迷應該都感動落淚了吧？而之後的報導，不只談台灣隊一開始有多麼不受外界的看好、談情蒐對這一連串的賽事帶來了怎樣的幫助、談 2013 年台灣與日本之戰，從領先到最後在延長賽中被日本逆轉勝的遺憾往事等。
龍男·以撒克·凡亞思導演的《冠軍之路》，像是回應了球迷的呼喚，把所有線上的討論，整理成一部讓人血脈賁張的紀錄片。《冠軍之路》開場以 2013 年的比賽揭開序幕，是一個聰明的敘事選擇。台灣長年無法贏過日本隊，一碰到日本隊，馬上產生矮人一截的心情。片中，讓我印象深刻的一幕，是陳冠宇在九局看到日本選手上壘，馬上躲了起來，不敢繼續看比賽，怕會有不好的事情發生。
這種近似創傷的心理反應，不只發生在球員身上，球迷也是如此。《冠軍之路》片中多次呈現每一場球賽結束後，網路上立刻湧入大量或讚賞或挖苦的言論，無論是看到比賽贏球而覺得選手的表現令人激賞，或是嘲諷參賽隊伍很弱、台灣贏球非常僥倖等，這些言論或陳冠宇的反應，不約而同點出了台灣人在面對自我時，常常是缺乏自信的，表現好的時候，不准太開心、表現不好的時候，又會檢討的很用力。
（底下會提及敘事手法，請斟酌閱讀）
因此，世界棒球 12 強冠軍賽對很多球員和球迷來說，都是一道需要（也想要）跨過的高牆，去正視內心的自卑與恐懼，而《冠軍之路》在處理高潮的冠軍球賽，刻意將 2013 年的八強賽畫面穿插剪輯在 2024 年的冠軍賽畫面，也就不只是在與過往的歷史做對照，更是前一代累積的養分在下一代身上發芽，而後輩在球場上的發光發熱，圓滿了前輩未竟之憾，並把這份不服輸、奮戰到底的精神，傳給下去。
《冠軍之路》看得我熱淚盈眶，想起很多以前看棒球的回憶，好的壞的愉快的悲傷的，對我來說，這是一部獻給球員與球迷的電影，更是一部試圖召喚台灣精神的熱血之作！
最後...2013 年八強賽那顆關鍵球，根本就該是出局數！

「為了聽見你的聲音，我願意讓這個世界安靜下來。」
畢贛導演的《狂野時代》有可能是我 2025 年在戲院看的最後一部片吧。它沒有打動我，或說，我找不回當初愛上《路邊野餐》的心情。
《狂野時代》當然是精緻的，熱衷做夢的迷魂者在故事之間遨遊，而名為大她者的追捕者，負責把迷魂者帶回到現實。但大她者好奇迷魂者為何流連忘返於夢境之中，她潛入迷魂者的意識，拉開百年電影序幕。
《狂野時代》的主題宏偉，導演的野心勃勃，以感官探索著夢的魅力、用多種類型電影，默片、黑色偵探、通俗劇、愛情片、怪物電影，串起電影史。再用裡裡外外的鏡子，真真假假的情感，去討論人們為何會迷上電影，就像影迷與電影才「相識」兩個小時，為何就會對劇中人物產生移情作用？我們在電影裡，看的究竟是他人的人生故事，或者那些吸引著我們的影像，映照出的是我們的本性？我們的善與惡？我們的慾望與癡迷？我們苦澀與甘甜？
「什麼東西兩個人就做不了？」
「做夢。」
分開來看，《狂野時代》的每一場戲都拍得有意思，例如默片背景那些明顯「手工」操作的痕跡，暗示著就連作夢（電影），都受到人為的控制，現實的不自由老早蔓延到夢境之中，讓做夢的人飛不起來；例如透過自殘的手段，去隔絕外界紛擾的聲音，像是對「政治歸政治、藝術歸藝術」的反問，諷刺的是，想要區分開兩者，才發現行為的本身（自我消音）就充滿了政治意涵。
例如受苦的妖怪無法成佛，源自於放不下俗世的牽掛，自然難以超脫。例如大騙子與小騙子的互動，彷彿是卓别林的《孤兒流浪記》翻版，在充滿謊言的騙術中，意外觸摸到人心裡的真實（大費周章徵求特異功能者，竟是為了紓解富翁對於女兒的思念之情）。又或者片尾那場一鏡到底的畫面，穿梭在巷弄中，即是穿越時間之海，一秒一分一小時，就是一個世紀。
每一段戲的指涉都有意思，但我依然進不去《狂野時代》的故事中，覺得銀幕上展演的一切都無法打動我。為何會如此？我想了想，或許是電影一直提到夢，反而失去了夢的曖昧性。或許是這些精緻的影像和高超的技術，反而遺失了《路邊野餐》那種樸實奇幻的魅力（《狂野時代》的一鏡到底拍得比《路邊野餐》精緻許多，但氛圍就是不太對勁）。
或許是舒淇的串場是想要讓電影更有完整性，我卻因為這個角色，覺得電影的段落更明顯，少了一致性。也或許，我只是沒有在這部電影裡，找到我想要（或我曾經喜歡上）的畢贛電影魔力吧。

惠貞因殺人案入獄，她帶著剛出生的女兒芸熙一起服刑。同牢房的室友，包括曾是知名歌手的玉英、酒店小姐阿蘭、詐欺犯阿珮，以及年僅19歲的鋼管舞女郎宥芯，她們各有苦衷，在獄中償還著過往的罪。為了讓喜歡音樂的芸熙有個快樂的童年，惠貞向典獄長建議組監獄女子合唱團，想用歌聲給予女兒所需的愛...
我討厭電影從頭到尾哭哭啼啼就為了逼出觀眾眼淚的敘事手法，所以《陽光女子合唱團》不太會是我喜歡的類型作品。其實，看電影就像是觀眾和創作者間的對戰：導演編劇想要欺瞞觀眾，讓他們掉進設計的情境之中、觀眾想要證明自己比編導還聰明，試著早一步猜出編導的意圖。
是的，《陽光女子合唱團》的大半劇情推演，都在預期中進行（我沒看過韓版），有些橋段也像是《修女也瘋狂》的翻版。但我沒猜到結局，而且喜歡電影後半段的收線。
「不管過去的我們是怎樣的人，很高興認識現在的你們。」
《陽光女子合唱團》是一部關於母親和女兒的作品：被母親惡意遺棄的女兒、遭受女兒埋怨的母親、以及不得不放棄女兒的母親，每一組人物都有說不完的傷心事與苦衷。電影直到結尾，才讓觀眾理解到片名之於這部片的意義。
(底下有關鍵劇情，請斟酌閱讀）
片中，惠貞第一次提起「陽光」女子合唱團的團名時，窗外灑入大片陽光，映照在所有的團員身上，一間牢房、一個合唱團體，彼此放下戒心、相互扶持，這個畫面不只訴說陽光女子合唱團對於這群受刑人帶有的重要意義，更暗示她們將讓一名孩子得到比其他人更多的愛，就像無所不在的陽光。
看著《陽光女子合唱團》，覺得這片怎麼沒在母親節上映？票房一定會更好。看完電影，發現這部片好適合和今敏導演的《東京教父》一起對照觀賞，在看起來最不可能獲得愛的場所裡，找到了愛！簡直就像見證了一場聖誕奇蹟！
撇開劇中人物一直哭一直哭這件事，《陽光女子合唱團》穩穩地講好一個故事，劇中埋下的線索，都有好好地交代清楚，不會虎頭蛇尾。而且本片的演員群戲整齊，#翁倩玉
尤其叫人眼睛一亮，她好適合這個角色喔，而且林孝謙導演很聰明，藏到很後面才讓翁倩玉開口唱歌，一開口，雞皮疙瘩都跑出來，那個時刻，有賺到我的淚水！

「眾生啊，放下怨氣，投胎到無仇無恨的地方吧。」
歷史沒有斷點，每一個過往的決定都會影響未來的人。當權力輪替，原本的受益者成了後來的受害者，我們該如何釐清誰才是真正的惡人？
1909年英國與暹羅簽訂的《曼谷條約》，重新劃分土地的歸屬權。1998年，馬來西亞政府準備收回原有的土地，在吉打上居住數十年的居民，被迫強制遷移。鳳音的丈夫阿中在農政廳工作，幫忙爭取權益，卻因此丟了性命。鳳音放不下對丈夫的思念，相信丈夫死於政治對手的降頭術，因此以幫忙鄰人解降頭為使命。她的兒子阿坤跟著母親學習解降頭，她的女兒阿雯卻對母親毫不諒解，不同於母親的「原始住民」身份，阿雯和阿坤的社會位階（父親是華人）較低，也更難在社會中取得一席之地...
看《地母》前半場，始終有種可惜的感覺，#張吉安 導演想處理社會議題，想寫傳統禮俗，還想講家庭裡的緊張氛圍，多線處理，讓故事難以聚焦。反觀導演的首部作品《南巫》，就把歷史、土地、神明與人的困境，融合得完美。
（底下有關鍵劇情，請斟酌閱讀）
當我以為《地母》會在失望中落幕，影片進入中後段，所有四散的線索收攏起來，從一塊擁有百年歷史的清光緒墓碑存廢、鳳音堅信是丈夫附身的水牛失蹤、土地即將被剝奪的阿霞姐遭人下降頭、阿雯跟母親攤牌，道出自己內心的怨恨，再到背後操弄的降頭師等，《地母》最後半小時，完全讓我想起當初愛上《南巫》的原因。
一幕鳳音繞著巨大陽具跳舞的場景，象徵著男性（權力）的關鍵性、鳳音與水牛的關係，模糊了「信仰/現實/對錯」的界限，而當鳳音親手焚燒巨大陽具，便有著女性反擊，翻轉悲情命運的意義，阿雯在經歷一切後，與母親達成和解，希望能一起離開老家，重新開始，放下傷痛，繼續前行之意。
但，能逃去哪呢？只要有人的地方，就有權力的爭奪，《地母》的最後一幕，冒煙的電視機，鳳音與子女一臉錯愕的神情，述說著苦難尚未結束（也無法結束），世界仍在燃燒著...（這結尾收得又苦澀又好啊！！）

「怎樣的生活才不算白活？」
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李駿碩導演的《眾生相》裡，有個年輕男子不斷約砲，在不同國籍的床伴之間來去，每次做完愛後，他總會問著各種問題，人們問他：「為什麼要問？」他也只是說：「我想知道每個人的日常是怎麼樣。」男子的身份是個謎，他更換著自己的名字，替換著自己的職業，別人坦承，他卻有所隱瞞（或者這些人也在說謊？），他誰都不是，但又像是一個容器，包容了每一個種族與階級，在探尋之間，摸索著自我，試圖打破界限，因為界線，框住了一切，帶來了枷鎖。
但枷鎖，不好嗎？
《眾生相》應該是李駿碩的導演作品中，我最喜歡的一部吧。它曖昧得好好看。第一幕，男子拉開窗簾向外看的畫面，就莫名吸引了我，像是把心房打開，想要把什麼東西納進身體（靈魂）裡擺。而電影隨後在不同國籍與話題間展開，加不加牛奶，是文化的差異。我的日常是看電影和瘋狂做愛，卻是另一種人從未有過的日常，他人的日常是另一個人的異常。名字和職業代表著我，或是方便他人標籤我的方式，幫助人們更認識彼此，或帶來反效果？
亞洲人眼中的白人是白皮膚的人，白人眼中的亞洲人，是更多元，或者也被特定的亞洲印象所取代？在夜店、在深夜的山林海邊的性愛，獲得的是快感，或只是換來更大的空虛？抗爭是有效或無效性？變革沒有發生，就不需要抗爭嗎？
「大家都在戒菸，你才開始吸，為什麼？」一根菸，就只是一根菸，抽了千百根菸，便成了慢性自殺。東德的號角麵包，聽起來像廣東話的開窗，而廣東話的開窗，聽起來像是開槍。誰開了窗？誰開了槍？誰又在慢性自殺？男子對一切有著偌大的好奇，他徘徊遊走，但答案在哪？不在最後那個與他發生關係的人。也不在最初點燃一切火苗的人。但反過來看，這一切卻也成就了他，他是遊魂，找著想要落地的土壤。
「你站在哪一邊？」
「好的那邊。但你不會知道哪邊才是好的。」
看完《眾生相》，隔壁一名觀眾暗罵了一聲：「演什麼鬼？」我的激動與著迷，是他人的索然無味。這也是眾生相。想起片中一句對白，「你知道，其實每個地方都有它的問題，只是有的時候，我們都把它浪漫化了。」那是不是導演對於某些事件的表態，溫柔的提醒？我不知道。但我在這部片，卻感受到一種在追求鬆動規則的身份中，仍有一種想要定錨，卻依然飄蕩的焦慮感。
非常喜歡《眾生相》的敘事節奏、影像、對白，而張迪文那種輕飄飄卻又厚重的演出，深深吸引了我，這會是我的年度愛片之一，它讓我對李駿碩導演的可能性，有了更多的期待。

「死得不甘心的人才會變成鬼。」
想看《有用的鬼》是被奇妙的劇情大綱所吸引：馬什的妻子娜特過世，她的魂魄附身在一台吸塵器上，回到了馬什的身邊。但人鬼殊途，馬什的母親想盡辦法要拆散馬什跟吸塵器娜特的關係，直到某天，娜特發現自己可以成為有用的鬼，為自己找到活下來的出路...
人跟吸塵器談戀愛？聞所未聞。電影前半場，就跟預期的一樣有趣，放不下的思念，讓愛情可以「活」在任何的物品上。這樣天馬行空的情節，以及冷調的喜劇節奏，很有一種「看泰國廣告」的感覺，劇情有意思，但好像不夠深刻。
故事繼續鋪張開來，我們發現吸塵器不只是被附身的物品，它代表的是一種「視而不見」的態度，為了追求發展，大興土木工程，整座城市陷入漫天灰塵之中，這是「必要之惡」。吸塵器把家裡的灰塵吸了進去，灰塵就消失了嗎？或者只是被藏了起來，假裝一切無恙？然後等待新的灰塵又落下再來清理。而造成灰塵的主因，始終沒有被解決，人們終究只解決了眼前的事情（觸碰不到核心）。
（底下有關鍵劇情，請斟酌閱讀）
「鬼會回來有兩個原因，一是他們記得。二是因為有人記得他們。」
電影裡的鬼，處境比活人低階，所有關於人的權利，鬼都無法享用。該怎麼辦？那就證明自己的價值吧。有價值，才有給你留下來的機會。所以片中的鬼故事，更像是上對下的階級剝削與歧視。電影裡有一段對話，讓人聽得有些無奈。娜特生前，不被出身豪門的婆婆和家族所認可。而傳統保守的夫家，卻能接受馬什兄長的同志身份，以及兄長的同性伴侶。為什麼？答案很簡單，因為兄長的伴侶能幫家族企業打入澳洲市場。
價值（財富），決定了馬什兄長的未來樣貌。換個方式思考，馬什的家人或許根本沒有接納同志，他們能夠睜一隻眼閉一隻眼，只是貪財。而無法證明自己價值的鬼魂呢？就用電療法（呼應以前的人用電療來「治癒/消滅」同性戀的手段），消除活人對他們的記憶，沒了思念，魂魄就會煙消雲散。
出身底層、身為女性、又變成鬼的娜特，是底層中的底層。偶然機會下，接觸到政府高層人士，成為權力者的打手，幫忙政府單位潛入他人的夢中，擔任思想審查的秘密特務，以鬼殺鬼。在權力者的眼中，留一隻聽話的鬼，便能剷除數十隻不聽話的鬼，非常合算。
因此，《有用的鬼》裡的鬼，泛指的是不被傳統框架所認可的「異常（同志、政治上的異議份子、職場上的抗爭者等）」，而記憶代表的是「歷史」本身。片中消除鬼和記憶的行動，就是在消滅任何不被權力者所認同的人與事，就是一場屠殺以及無所不用其極地掩蓋事件真相的手段。
《有用的鬼》讓人想起了《返校》，也想起了《大濛》，從最初單一個體的故事，逐漸擴大變成一場對國家控訴的轉型正義之路，如此天馬行空的情節（無論是人與吸塵器的相戀、或在同志性愛場景中，帶出「勿忘歷史」的突兀感），卻能自圓其說，每一個安插的細節，都被穩穩地擺放在故事的拼圖之中，找到彼此間的對應關係，看完電影，對這個劇本真心佩服。
好作品的魅力（珍貴），就是看完電影後，會讓影響想要更深入了解影片提及的事件。《有用的鬼》如此，其實《大濛》也是如此！

二刷《大濛》，其實觀感跟第一次差不多，沒有太喜歡的部分，還是沒有改觀，但喜歡的部分依然喜愛，例如阿月看姊姊跳舞那一幕，舞台上正向歡樂的情景，對照的是現實的淒涼，飾演阿月的方郁婷，臉上又哭又笑的神情，真的好揪心。
這次重刷，有一幕戲格外打動我，在一場突兀的刺殺行動失敗後，趙公道騎著腳踏車載阿月逃離現場，原本趙公道想跑路，叫阿月自己去領屍，卻又在半途折返，決定親自帶著阿月去殯儀館走一趟。就是這個決定（趙公道把阿月的事情擺在自己的安危之前），讓趙公道被關了25年。
但，他應該沒有後悔吧？
電影裡，阿月的哥哥阿雲說了一個故事，主角都是名為阿迷和阿水的水滴，但這個故事卻有兩種不同的結局。第一個故事中，兩顆水滴都變成了雲，最後落成了雨，滋潤大地。那是阿雲對自己的期待（想要變成一朵雲，改變世界），其實也影射了趙公道對自己人生的期待（想要活得像人、活得有意義）。
而在影片尾聲，同一個故事卻有不同的結局。一滴水變成了雲，最後落在太平洋（沒有滋潤乾涸的土地）、一滴水成了霧，消散在空氣中。想想，這個故事不正似阿雲和趙公道的人生寫照，一個成了「雲」卻沒有落在期待中的土地、一個則是來不及變成雲，只是霧氣，陽光一照，就消失在空氣中（趙公道最後消失在醫院的扶手梯上，就像是一場霧）。
另外，我還是很喜歡《大濛》片尾送葬隊伍一幕，小人物的辛酸，是連死亡都只能仰賴他人的樂儀隊來送一程。但人世間的葬禮儀式，不只是為了逝去之人，更是透過儀式，讓生者好好道別，說完再見，才能放下心中的遺憾。
因此，《大濛》片末的葬禮隊伍，其實是導演對阿月的體貼，讓失去兄長的她，得以好好道別，說了再見，才有辦法奮力前行。