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每年選年度電影都會挑出很多片，即便這兩年看片量大不如前，要挑個三四十片對我來說依然不成問題，個性太濫情，很容易被電影的優點給打動（哈）。依據片單快速選出想要推薦的影片，榜單輕易突破 50+。第二輪努力將片單刪到 45 部，亦即，這份片單仍遺漏不少我的愛片，但...這就樣吧。
每個人看片的標準和喜好不同，所以一定會跟大家的片單不一樣，以下是我的 2024 愛片榜單。另外，我今年有重看但已經出現在去年推薦榜單的片子有《再見機器人》和《我的完美日常》，就不列入今年榜單囉。
2024 年看了 241 片，包括串流平台和院線片，不計排名。
45.《死侍與金鋼狼》：第一次看非常喜歡，但二刷時，喜愛度有下滑。
44.《石門》：請撐過前半場，漸入佳境，看到後面很喜歡。比《一部未完成的電影》更打動我。
43.《盜墓奇美拉》：沒有像《幸福的拉札洛》那麼擊中我，仍是一部不可錯過的佳作。
42.《異教詭屋》：太喜歡片中對於宗教的辯論，還有休·葛蘭的表演。
41.《荒蕪之地，應許之心》：穩穩講好一個故事，從演員到敘事都不讓人擔心，完全能沉醉其中。
40.《雙眼之間》：我覺得這片要是能重看的話，很有可能排名會更高。
39.《絕地盟約》：能夠把熟悉的故事拍得壓迫感十足，令人喘不過氣，那就是功力！
38.《九龍城寨之圍城》：這片能在香港大賣，絕對有其道理，重現香港武打片的輝煌時代。
37.《少年的漂浪旅程》：電影很動人，片中幾場魔幻場景尤其精彩。
36.《芙莉歐莎：瘋狂麥斯》：我更喜歡《憤怒道》，但不能否認這片的動作場面依然出色。
35.《伊貝林：在魔幻世界登入人生》：看到爆淚，虛擬世界也能綻放真愛。
34.《角頭：大橋頭》：看片過程很享受，我認為是很成功的商業電影。
33.《落葉》：很小品的電影，卻是當代需要的一劑溫柔。
32.《逆嶺》：以為會是普通的類型片，後段有帶給我驚喜。
31.《帝國浩劫：美國內戰》：這片跟《逆嶺》顛倒，後半段沒有太喜歡，但前半場相當喜愛。
30.《我心裡的太陽》：青春可以很美好也可以很殘酷很惆悵。
29.《變形金剛：源起》：這片票房為何會賣垮？明明很棒。
28.《荒野機器人》：畫風超美，年度驚喜之一。
27.《小雁與吳愛麗》：被片尾那場課堂上的表演所打動。
26.《微笑2》：比起第一集，場面更大，更華麗，更有意思。
25.《金孫暴富攻略》：通俗的劇情只要講得好，就能直擊人心。
24.《雨中的慾情》：一度想把這片放在 15 大片單中，因為它實在怪有趣，但覺得我需要更多時間消化它。
23.《與夢前行：宮崎駿》：喜歡宮崎駿作品的我，看這片就是各種感動。
22.《挑戰者》：最後那場球賽，讓人忍不住想要跟著鼓掌。
21.《滯留生》：挑不出缺點的電影。
20.《妳是我眼中的那道光》：金馬影展看完，就深深愛上這部片，結局太美。
19.《憐憫的種類》：《憐憫的種類》比《可憐的東西》有趣多了。
18.《誰偷了垃圾桶》：印度可以有《妳是我眼中的那道光》也可以有《誰偷了垃圾桶》，能動能靜，很厲害！
17.《美國小說》：這片沒有上院線好可惜，它的劇本非常棒也非常妙。
16.《花腐》：跟《雨中的慾情》一樣，我覺得它很挑觀眾頻率，但我就是有被打中。
15.《火上鍋》：對我來說，這部片近乎完美，那些食物，那些人情，都美得不得了。
14.《隔壁的房間》：色彩、敘事、攝影、表演，都無可挑剔（除了配樂，哈）。
13.《野火蔓延時》：經歷混亂的一年，覺得電影裡的野火，已經燒到每個人的家門口了。
12.《種土》：我今年最喜歡的台灣電影，看到一個人的傻勁如何被現實吞噬。
11.《魔法壞女巫》：二刷後更確認對這部片的喜愛，華麗熱鬧又能傳遞動人的情感。

今年看片量是417部，很多是在串流平台補上的舊片，進戲院的次數並未增加。由於我是一個濫情的觀影人，推薦的電影片單往往會過多過長，第一輪選出79部（哈哈），第二輪很努力刪到53片，最後才刪到剩45部。以下是我今年的不計名愛片排行榜，先說一下，搭機前往日本的途中又看了一下《媽的多重宇宙》，又被逗得很開心，我想我真切地喜愛這部影片吧（它應該就是我的年度冠軍）！
以下是我的片單，最終沒有選入《瘋狂富作用》，因為選了《瘋狂競賽片》、《五星饗魘》和《鋒迴路轉：抽絲剝繭》，覺得這幾部作品的主題都有點相近。同樣的，因為更喜歡《科拉爾金礦：第二章》所以放棄《雙雄起義》。而史匹柏導演的歌舞片《西城故事》、樓一安導演極具企圖心的《該死的阿修羅》、驚喜之作《鈷藍愛戀》、怪得挺有趣的《們》、對白紮實演技強大的《午後瀰薩》、畫面瘋狂音樂好聽的《貓王艾維斯》等，也都是我的愛片，這些作品都很讚，但想精簡片單才排除在外，我覺得未來若有機會重溫，可能都會問自己：「當年怎麼沒選到他們？！」吧。
以下是我的 2022 年度推薦電影片單。
《媽的多重宇宙》：電影最厲害的一點，就是把一個通俗的家庭劇講得驚天動地，它是一個很小很小的故事（關於一家人的感情糾葛），又是一個很大很大的故事（我們在故事中看見了普世群體的共通性）。
《正發生》：表面上是關於一名女性試圖墮胎的過程，但旁人對這件事避之唯恐不及的態度，未必只是根深蒂固的傳統觀念（墮胎有罪論）讓他們拒絕幫助安，更是背後牽涉的政治（法律）問題。
《世界上最爛的人》：人們總要走到某個時間點，才會對某些人某些事的重要性感到恍然大悟。
《伊尼舍林的女妖》：以幽默嘲諷又帶點憐憫的心，去挖掘人性裡的光明與黑暗面，去探索人（國家）的佔有慾，如何將良善給一點一滴殺死。
《未來未來》：這是一部關於舅舅和姪子的冒險紀事，也是導演送給美國，送給這個紛擾而不平靜的世界的作品，溫柔卻不濫情。
《分手的決心》：「你說愛我的瞬間，你的愛就結束了。你的愛結束的瞬間，我的愛就開始了。」這部片的美好（與傷感）在於錯過，身份的差異，讓一段愛情朝兩個截然不同的方向奔去。
《甘草披薩》：電影透過幾段與他人的相處，逐步拉近艾拉娜與蓋瑞之間的距離：每一次的重聚與分手或每一次的分手與重聚，好像都只是為了要更加確定這段愛情的難能可貴。
《捍衛戰士2：獨行俠》：Joseph Kosinski 導演保留不少第一集的經典橋段，並且將其打磨得更精緻，無論是感情戲、動作戲都更上層樓。
《中有：部分真實的僞記事》：或許對大部分的觀眾來說這片不是太討喜（尤其不理解墨西哥歷史的我們），但它讓我感動得熱淚盈匡，某些時刻會想起《羅馬》，某些時刻像是《8 1/2》，某些時刻又有《絕美之城》的味道。
《 西線無戰事》：不浪漫、不詩意、不悲壯，只有激情、驚駭、不解與哀傷，Edward Berger 導演的《西線無戰事》，拍出令人難忘的戰爭場面，也拍出戰火下，人性的卑微、平凡與溫暖的樣貌。
《九槍》：對我來說，《九槍》是另一種類型的《看見台灣》，如果這部片能被更多人看見，能帶來更廣泛的討論，或許政府會更積極改善移工問題，或許我們的社會能以更平等的態度與移工相處。
《披頭四: Get Back》：60 個小時的影像與 150 個小時的錄音檔，記錄披頭四最後兩張專輯的創作過程、屋頂演唱會的由來，以及樂團成員間的相處狀況。《魔戒》導演彼得傑克森（Peter Jackson）將這些素材剪輯成七個多小時長度的紀錄片《披頭四：Get Back》（The Beatles: Get Back），不要被片長嚇到，絕對值得一看。
《漂浪人生》：電影讓我想起《少年Pi的奇幻漂流》，關於戰火的無情，關於家庭的分崩離析與舊有生活（故鄉）的消逝，也關於虛構入侵真實，甚至成為真實的一部分，再也揮之不去。
《片場風暴》：這部作品告訴觀眾，生活中最荒謬的情境不是出了事，人人都在想辦法掩蓋真相，假裝一切無恙，而是我（權力者）把你（底層者）的價值全部榨乾，你才可以死！
《阿凡達：水之道》：特效的精緻無話可說，但真正打動我的是二兒子婁克代表的是傑克的過去，透過這個角色的成長，去喚回傑克遺忘的「過去」，再次找回「托魯克瑪托」魂。
《失去的女兒》： Maggie Gyllenhaal 執導的第一部劇情長片，非常穩，非常精彩，有讓我想起《女人碎片》與《媽咪厭世日記》，但《失去的女兒》對於女性內在情緒的捕捉與描述又更加地細膩複雜。
《不！》：電影是一種奇觀的展現，《不！》就是一部奇觀電影。
《吉勒摩．戴托羅之皮諾丘》：將戰爭編入故事中，並從傑佩托、軍官，以及馬戲團班主等角色，去看「父親、父權、國家」的不完美，以及對人的壓迫（洗腦）。
《阿波羅十號半：我要上太空》：「時代與成長」不正像是一場登陸月球的壯舉嗎？有些時刻是集體記憶，有些時刻又很個人（私密），史丹即是生活在群體中的人們（我們）的縮影，既不孤單（共享時代回憶），又常常在某些時刻感到孤獨與寂寞（屬於自己私密心情的成長回憶）。
《房子裡的故事》：暗黑，詭異，嘲諷，溫馨，三段截然不同的故事，各自精彩，宛如《超級狐狸先生》碰上《怪怪屋》以及《鬼店》，再搭配一點提姆波頓導演作品的氣息！
《科拉爾金礦：第二章》：本來想選《雙雄起義》，但覺得場面同樣浮誇芭樂的《科拉爾金礦：第二章》更為精彩（兩片都很讚啦）。
《咒》：有一點《宿怨》與《七夜怪談》與《厄夜叢林》的味道，但從場景到人物對話，又是全然的台灣味，而且影片的氛圍掌控、美術陳設、橋段設計，都有帶給我驚喜。
《鋒迴路轉：抽絲剝繭》：一部比《瘋狂富作用》更《瘋狂富作用》的電影，披著推理類型電影的外衣，批判在階級、財富與權勢之前，人們向貪婪與慾望俯首稱臣。兇手只有一人，「兇手」卻又是每一個人。
《瘋狂競賽片》：沒有預期的爆笑，但嘲諷得十分到位，甚至帶有點一絲絲地惆悵感。
《豬殺令》：又一部用片名誤導觀眾的作品，《豬殺令》不是《即刻救援》或《捍衛任務》或《無名弒》，而是貼近《鬼魅浮生》情調的抒情片，敘事緩慢地滲出一股憂傷的滋味，影片中後段，甚至幾度逼出我的淚水。
《就在今夜》：一部好的電影，無需用誇張的戲劇衝突去強調人的分與合，而是在角色的互動中，明白他們的在乎。在乎，會讓人們走在一起，在乎，卻也可能讓人們走向分離。愛一個人或關心一個人有千百種樣貌，有時候是過度保護，有時候是體貼（但也帶有無奈）的放手。
《茲山魚譜》：李濬益導演把一個有點硬的題材，拍得情意綿綿，毫不沉悶，拍得讓人會心一笑又感到無奈與憤怒。
《蝙蝠俠》：對我來說，《蝙蝠俠》是一部直視近代美國社會困境的作品：難以翻轉的階級，無所不在的謊言，以及各種天花亂墜卻從未兌現的承諾，導致美國族群越來越分裂越來越無對話的空間。
《高山上的熱氣球》：劇本早在 1990 年就已經完成並且獲得優良劇本獎的肯定，電影隔了三十年後才拍攝完成，即便是有點「年紀」的劇本，現在來看並不覺得過時，反而在看片過程，升起一股回望舊時空的惆悵感受。
《迷你網紅實貝秀》：一句「我很喜歡我和一切連結的聲音」，感動到讓我起雞皮疙瘩，好青春的心聲啊，隨著年紀增長，我們其實設限越多，越無法放開心胸去擁抱他人與世界！
《親愛的童伴》：《親愛的童伴》中後段的劇情發展，莫名地牽動我的淚腺。想想...大概是年紀大了，才會明白能夠好好地說再見有多麼地得來不易，能夠向最親密的家人道出內心最隱晦的心事，有多麼地難得。
《五星饗魘》：藝術（創作）變相成用來包裝個人形象的裝飾品，不再純粹。藝術已死，為此，電影裡的主廚要解放加諸在藝術上的枷鎖，要懲戒將藝術困在牢籠中的加害者（權力者、共謀者）。
《我不是英雄》：阿斯哈·法哈蒂 (Asghar Farhadi)的作品，總會讓我看到腦充血，並對劇中情境感到氣憤。《我不是英雄》就像導演過往的每一部作品，在水中投下一顆小石頭，激起陣陣漣漪，不斷向外擴散。
《哈勇家》：本片的結局，火繼續升著，這一家族的生命故事也繼續上演著（生命之火），呀哎哎，我覺得這個結局收得超美。
《一萬個叢林夜》：被叢林困住的，究竟是愛國或是執迷？一部探問生命價值的感傷之作。
《智齒》：電影裡的香港並不光鮮亮麗，高度發展的城市陰暗角落中，散發著惡臭，堆疊著各樣的垃圾，居住著一群無力逆轉階級的居民，而這陰鬱濕冷髒亂的城市景觀，也暗喻著人心裡的泥濘與亂象。
《尋人啟弒》：「尋人」的最終意義，不只是要找一個虛像的人，而是探進對方的靈魂，清楚看見對方。
《巴黎夢想家》：賦予老舊的故事新意，以古諷今，劇情緊湊，對白趣味橫生又鏗鏘有力！
《神探大戰》：天使與惡魔，神探與罪犯，一線之隔，這是對影片對人民公僕的重要提醒：一個不察，就會成了威權底下的盲目打手。
《史塔茲的療癒之道》：電影有時候會反映出你當下的心境，如果在不同的時間觀看同一部片，感受可能會天差地別。在這個時刻觀賞《史塔茲的療癒之道》（Stutz），確實發揮出某種效力，幫助我應付內心的紛亂與焦慮。
《子彈列車》：改編的精彩，爽度也高，今年娛樂大片中，數一數二的佳作。
《神人之家》：紀錄一家人對彼此對高高在上的神明又愛又恨又矛盾的心情，溫暖而動人。
《骨肉的總和》：非常浪漫的純愛電影，關於愛如何帶領人們面對創傷陰影，走出傷痛；關於愛如何讓人成長，不再害怕，而是擁抱他人進入自己的生活空間；也關於戀人們見到彼此的瞬間，就明白你是我在尋找的那個人，漂泊的心因此有了一處避風港，溫柔地將對方擁在愛的港灣中。
《 她有話要說》：表現手法節制，沒有女性遭受侵犯羞辱的畫面，也沒有販賣暴力情境的刺激感，僅只透過受害者的口述，或是哈維·溫斯坦與受害女性的電話錄音檔，以類似紀錄片的方式，讓觀眾直接聽見施暴者如何利用自身的權勢（地位），脅迫受害者聽令。
《青春劇烈物語》：詹承廷導演的短片《青春劇烈物語》，劇本層層疊疊，曖昧又有意思、演員互動充滿火花，自然而且不尷尬、敘事很穩且不時有令人驚喜的橋段出現，結局更是收得恰到好處，沒有停歇的腳步聲，讓未來在觀眾的腦海中，不斷延伸開來，各種可能性還在前方呢。

圖片出處：國家影視聽中心 提供
當社會快速轉型，影像是否也成為重新建構現實的工具？1960
年代的台灣，正處於加速現代化的歷史節點。都市擴張、工業發展、西方思想輸入與家庭結構變動，重塑了人們對生活、性別與權威的理解。在這樣的轉型時刻，電影不僅是娛樂工業的一環，亦是觀看時代的方式。白景瑞導演的作品，位於歷史交會點之上，見證（紀錄）了
1960 年代台灣社會的變遷。
國家影視聽中心將於
3/6 至 3/29
推出「慾望在徬徨：白景瑞風格電影選」影展，精選多部白景瑞導演作品，包含數位修復的《寂寞的十七歲》、《再見阿郎》、以及跨時代合作的《台北之晨（林強配樂版》等。白景瑞的作品總讓人看得驚喜連連，具有高度的通俗性，又能在鏡頭語言與闡述議題上，看見他對於身處時代的人文觀察與反思。
他於
1964
年拍攝的《台北之晨》，捕捉台北清晨的人文風景：上工的勞動者、上學的孩子、採買的家庭主婦等，形形色色的人物交錯穿梭，構成一幅生命力豐沛的圖像。早年的台灣電影，沒有電腦動畫的輔助，更能捕捉到「真實」的樣貌，不似當代電影，架起一片綠幕，便能讓方圓之地變成浩大的場景。
然而，細察《台北之晨》的影像安排，便會發現白景瑞並非單純地客觀紀錄。無論是場景的選擇、鏡頭的停留位置、人物的反應等，在在顯示出導演清晰的調度手痕。某些街景被強調、空間被排除；某種秩序被凸顯、混亂被隱匿。畫面的取捨本身，即是一種權力的展現。《台北之晨》所呈現的「真實」，並非未經修飾的城市樣貌，而是經過縝密的組織與編排，它在紀錄與戲劇之間游移，既保留現場的質感，又透過剪接與構圖賦予導演所要傳達的意義，進而模糊了紀實與虛構的界線。
而這樣介於兩者（新與舊、虛與實）之間的曖昧狀態，或正反映了 1960 年代台北試圖塑造自身現代形象的文化工程。

《三藩小時代》：簡單的滿足
早在《烈愛對決》之前，HBO
的《三藩小時代》就已經拍出好看又有趣的同志故事。再次重刷，還是喜歡第一季第五集，有點《愛在黎明破曉時》的味道，整集就是兩個主角伴著彼此聊天，由於兩人才相識未久，所以也像是透過這場對談，去更認識對方。他們邊走邊聊，談起家庭、生活和過往經歷，聊著彼此各自的嗜好，也說著私密的話題。
當他們走到天文台，看著天文館內投放的星空，李其說現在的情境像極了《六人行》中，羅斯和瑞秋的約會。派屈克聽了表示認同，並說：「天啊，真的很像，我想當羅斯。」李其聞言有些意外，說派屈克難道不是瑞秋嗎？因為在瑞秋和羅斯的關係中，瑞秋才是更強勢的那個人，就有點像是同志中的一號。
這場對話原本只是在聊李其和派翠克在這段新戀情中所擔任的角色，聊著聊著，李其卻突然指出派翠克不想當零號，可能不是因為不喜歡，而是在潛意識中覺得當零號很丟臉。派翠克一開始否認，但仔細想了想後，也覺得自己之所以會抗拒當零號，或許真的是被傳統的「男性陽剛氣質」所箝制。李其笑著說：「也許你有零號害羞症。」
這場戲的話題非常私密大膽，但導演卻將它處理得異常溫柔，沒有指著誰的鼻子說你是怎樣的人，而是兩個相互欣賞的人，敞開心胸去談極度私密（親密）的話題。而在這場戲的尾聲，話題暫時告一段落，派屈克偷偷瞄了一眼坐在他身旁的李其，臉上不禁綻放出一股信任且充滿愛意的笑容。
派屈克的笑容，讓人瞬間感受到戀愛的感覺。《三藩小時代》的導演是
Andrew
Haigh，他的《愛在週末邂逅時》、《45年》和《親愛的陌生人》都是我的超級愛片，他真的太會拍這種安靜中，透露出溫柔（或殘酷）的作品！《三藩小時代》是
2014 年的作品，HBO MAX 有片可看，共有兩季，後來有出一部電影版，都非常好看。

隨著年紀增長，記性大不如以往，哪部片更喜歡，也越來越難區分，最後只能靠印象來區分。所以我不再一一排名，更在意的是曾經帶來感動的作品，能不能被看到。以下是我今年特別喜愛的作品，有些是院線片、有些是串流平台的作品，也有一些只在影展短暫放映過。這幾部作品都帶給我難忘的觀影時光，希望還未看過電影的朋友，能給他們一個機會！
《一戰再戰》看了三次，每一次都好愛，剪接強大，尤其是城市巷戰一幕，沒有任何一顆鏡頭是浪費的，精準地在不同的角色間切換，又不會有任何的紊亂感。結尾的公路追逐，應該會讓很多人看到心臟要跳出來吧？電影片長近三小時，一點都不沉悶，它是政治電影，更是關於父親和女兒的家庭電影，演繹著勇氣與愛如何在亂世中仍保留對人性的一絲信任。
  傳記電影《巴布狄倫：搖滾詩人》，其實也不算傳記片，它無意告訴觀眾巴布狄倫的創作理念為何，電影試圖捕捉的，是一個時代的氛圍，巴布狄倫反映了那個時期的叛逆氣息，他也活成了那個時代最鮮明的形象。而趕在年末才上映的《橫衝直闖》，同樣是提摩西·夏勒梅主演，同樣叫人驚艷。Josh
Safdie 導演和弟弟 Benny Safdie 聯手執導的《失速狂奔夜》和《原鑽》，都是我當年的愛片，這次 Josh
獨自執導演筒，無論是敘事節奏、劇本的細膩度、演員群戲等，都精彩地讓人讚嘆。

觀賞《阿凡達：火與燼》之前，先重溫詹姆斯·柯麥隆導演的《無底洞》和《阿凡達：水之道》。
一，《無底洞》是一部老得很優雅的作品，在這部海底災難片中，你不會看到水下遇難人員的屍體突然從銀幕一側竄出來，不會賣弄災難的恐懼，相反地，它敬畏自然的力量，人類科技打造的潛艦雖然可以潛入海中，但潛入的範圍仍有限制，一旦超越極限，就會帶來悲劇。
這次重溫，發現《無底洞》在柯麥隆的作品有著承先啟後的重要性，這部片涵蓋了所有柯麥隆感興趣的主題，往前承接《魔鬼終結者》和《異形2》的優點，往後示範了液態金屬的特效（《魔鬼終結者2》）、船難場面該怎麼拍（《鐵達尼號》、《阿凡達：水之道》），以及對外星文明的認可（《阿凡達》）等。甚至在《火與燼》中，長老突鯤會議，都像極了《無底洞》片尾從水底升上來的外星船艦場景！！
二，幾年後再看《水之道》，依然覺得獵殺突鯤、奈蒂莉面對喪子之痛而變得兇狠的神色、各種水上水下的景緻、結尾的高潮對決戲等，都處理得很有神采，就算是在小螢幕觀賞，那份造夢的震撼還是直擊我心！
三，幫【TODAY追影劇】寫了篇詹姆斯·柯麥隆的文章，聊聊柯麥隆導演作品中幾個重要元素，以及令人難忘的片段，歡迎大家捧場點閱喔～～～
https://today.line.me/tw/v3/article/3NynNlZ

「我不清楚指示...」李奧納多飾演的角色派特，在電影開場的突擊行動前，說了這句話，他的夥伴告訴他，只要搞出一場壯麗的大秀即可。而《一戰再戰》片中，派特就一直處在狀況外的情境中，或說，片中不同派別與陣營的中下階層角色，困境都是相近的，懷抱著滿腔的熱血，卻對自身的行動主旨一知半解，一如西恩潘飾演的上校，派遣武裝部隊前進派特父女藏匿的城鎮，但這些軍人根本不知道自己的任務，竟是要解決上校的個人「家務事」。
電影看似嘲諷了行動者的盲目，但當我看到驚懼的薇拉大喊：「你是誰？」而派特連忙回覆：「我是爸爸！」時，突然一陣鼻酸。也許，這就是身而為人的詛咒或浪漫吧，重點從來不是要搞懂全部的事情才行動，而是在茫然與徬徨之中，我們依然選擇上路、不斷前行，只為追求那名之為希望（或愛）的美好未來。
至於未來會是什麼德性？端看一波波的行動（戰鬥）會把我們（人類）帶向何方，也許是通俗的家庭大和解，也許是站在奢華的辦公室裡，以為心想事成，實則迎來沒有希望的明天。
再看《一戰再戰》，依然喜愛非常，影片的節奏好得不可思議，演員群戲強大的驚人。衷心希望這部片在明年的奧斯卡獎能有斬獲。
近日寫了篇「奧斯卡看走眼？這些導演經典滿手卻沒得過獎」文章，談及幾個我個人很喜歡，但一直沒在奧斯卡獲獎的導演，《一戰再戰》的保羅湯瑪斯安德森（Paul Thomas Anderson）就是其中一位苦主，還有另外兩位跟他一樣，沒拍過爛片但奧斯卡尚未給予肯定的導演，歡迎點文章連結閱讀指教，哈哈。
文章在這邊：https://today.line.me/tw/v3/article/LXrNQo2

大部分的皮克斯作品都是「公路電影」，所謂的公路電影，即是主角在影片開場時，會因為某個目的而踏上旅程，直到影片尾聲，旅程暫時告一段落，主角的心境也獲得了成長與轉變。而在《天外奇蹟》裡，性格孤僻的卡爾爺爺，為了守護家園，在煙囪裡綁上無數的氣球，讓房子升空，飛離都市叢林，並且帶著一名意外闖入他住處的亞裔男孩羅素（Russell），一同前往南美洲冒險。
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在這趟冒險旅程之前，本片導演（Pete Docter 和 Bob Peterson）先用一段四分鐘長度的影片，作為電影的序幕，解釋卡爾爺爺為何不願放棄房子、為何要飛往南美洲的背後原因。這個開場片段，沒有半句台詞，只有年輕的卡爾爺爺與妻子相遇的浪漫愛情、兩人婚後對未來生活充滿著憧憬與期待、生活遭遇到挫折以及不得不做出妥協的犧牲等，一晃眼，卡爾爺爺和妻子已經白髮蒼蒼，年輕時共同許下要去南美洲旅遊的願望，始終沒有實現。
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一輩子，居然被濃縮在四分鐘，這就是敘事的功力。
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《天外奇蹟》開場戲的精采，在於它一方面勾勒出人生必然會有的遺憾，一方面又呈現出卡爾爺爺與妻子相伴一生的簡單幸福。記得前面提到的公路電影公式嗎？主角在經歷一趟旅程後，心境獲得了啟發與成長。而《天外奇蹟》的卡爾爺爺在影片的尾聲終於理解到：人們總以為冒險就該是遠在天邊，尋求的寶藏一定要是金碧輝煌的珍貴珠寶，卡爾爺爺直到南美洲之行結束才體會到，生活中那些看似微不足道的平凡時刻，才是人生旅途中最美的風景、最珍貴的寶藏。
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完整文章這邊看：https://persona-media.tw/你心中最難忘的皮克斯時刻是什麼

童話故事形塑出孩子對於自我身份的想像，隨著時代的演進，童話故事中的角色，開始走出不同於以往的道路。迪士尼的首部動畫長片《白雪公主》，讓皮膚白皙如雪的公主，成了邪惡繼母權威下的受害者，她逃往森林深處，變成七個小矮人的家政婦，男性外出勞動打拚，女性將家裡打理得潔淨如新。
1937 年的《白雪公主》，女性只有兩種樣貌：擁有權勢的女性是邪惡的皇后，而瘦弱的女性，需要男性深情的一吻，才能重新活過來。1950 年的《仙履奇緣》和 1959 年的《睡美人》，都是延續類似的情節設定，加深了女性或無助（受害者）或恐怖（加害者）的極端印象。
性平觀念持續改變，迪士尼於 1989 年的動畫復興之作《小美人魚》，終於讓小美人魚愛麗兒挺身反抗海王父親對她的約束，並且主動捨棄聲音，上岸追尋愛情。儘管《小美人魚》依然深陷女性相殘的情節，但愛麗兒的外放和勇氣，確實為迪士尼動畫的女性角色，注入了改變的契機。
當銀幕上的迪士尼公主，大多選擇跟外表帥氣的王子常相廝守，2001 年由夢工廠（DreamWorks SKG, Inc.）推出的動畫電影《史瑞克》，反轉男主角一定帥氣、女主角一定柔弱的迪士尼式公主印象，提出新的見解：公主不一定只能選擇王子作為終身伴侶。《史瑞克》小小顛覆了迪士尼的劇情公式，但只要仔細推敲，就會發現《史瑞克》的劇本，依舊維持著男性拯救女性的設定。
《史瑞克》在票房上獲得亮眼成績，動搖了迪士尼一家獨大的動畫王國地位，迫使迪士尼加速修正作品的重複性問題。2007 年的《曼哈頓奇緣》算是迪士尼對夢工廠的回應，看似對自家過往作品的嘲諷與解構，實則再次肯定迪士尼作品的影響力。然而，隨著提姆·波頓（Tim Burton）執導的《魔境夢遊》（2010 年）在票房上大有斬獲後，迪士尼將目光轉向舊有的 IP 人物再利用，以真人化的方式重拍過往知名作品。
迪士尼的重拍路線有兩種，一是更動主述角色，例如《黑魔女》讓舊版中的反派角色梅菲瑟，有了自己的故事，賦予熟悉的故事新意。另一種是依照舊有版本復刻，如《美女與野獸》，除了一些細節的修正外，其他幾乎是原封不動地把動畫版內容重新搬演一次。而為能符合當代的觀念，迪士尼也試著在重拍的作品中，加入新的詮釋，例如更動角色的種族，或是藉由新增的角色，讓人物的動機更具說服力。尷尬的是，若只是部分觀念的替換，反而會掉入「為什麼要做這個更動」的質疑聲中，導致後來的《小美人魚》和《白雪公主》在還沒有上映前，提前陷入被檢討、攻擊與拒看的風波中。
既要照顧舊有觀眾的觀感，又要賦予新一代觀眾不同的眼界，兩者相互拉鋸，顯得吃力而不討好，成了近年迪士尼改編作品必然要應付的棘手問題。相較之下，沒有迪士尼品牌包袱的電影公司，反而更有機會推出讓人眼睛一亮的童話改編作品。
茱兒·芭莉摩（Drew Barrymore）主演的《灰姑娘，很久很久以前》(1998 年）就是一次成功的嘗試，在這部片中，灰姑娘不再悲情，她能在繼母的面前，表現出自己脆弱（對母愛的渴求）的一面，也敢於跟權力者對抗，爭取屬於自己的幸福；細田守的《龍與雀斑公主》（2021 年）以及榮獲奧斯卡最佳影片的《水底情深》（2017 年），則是《美女與野獸》劇情的變形，讓童話故事的精神能繼續存活在新時代之中。
而近日最讓人眼睛一亮的童話改編作品，是以《灰姑娘》（《仙履奇緣》）故事為藍本，由 Emilie Blichfeldt 擔任導演和編劇的《醜繼妹》。《醜繼妹》做到最好的一點，不在於它把主述角色從灰姑娘換成壞心姊姊，而是它真正做到好好檢視原有故事中，那些陳舊的觀念，如何影響著過去世代的男性和女性的思考方式，又怎麼在熟悉的劇情中，以毫不剝削且不扁平的方式，去呈現舊時代（並呼應著當代）的人們所面臨的暴力迫害和犧牲。
《醜繼妹》是迪士尼拍不出來的作品，拍不出來的主因，一是主打闔家觀賞的迪士尼不太可能在他們的作品中，置入大量的暴力血腥畫面，二是迪士尼近期重拍作品中，鮮少真正去檢視與翻轉原作的內在核心精神，呈現出有形無魂的疲弱樣貌。《醜繼妹》讓觀眾看到童話電影能在新時代帶來怎樣的驚喜與刺激，可惜欠缺電影票房的支持，大概還是無法翻轉近期翻拍電影過於平庸無趣的困境吧。

《驚奇4超人：第一步》和《超人》為老 IP 注入一劑票房強心針，給予 DC 宇宙和漫威電影宇宙獲得喘息的空間，總算又能續命發展，但看著不斷重啟的電影，一股感慨卻也油然而生。如今的好萊塢，早已不是想辦法拍出好看的電影來吸引觀眾入場，而是想辦法拍出觀眾喜歡的電影來吸引他們入場。兩者的出發點不同，帶來的結果也就不同。
為何大部分的電影續集，都是一開始表現亮眼，而後變得公式且無趣？當票房成為一部作品能被拍出來的主因，那麼對片商來說，複製舊有的賣座公式，便是最保險的做法。而當市場上充斥著大量的重啟或續作，壓縮了原創電影的空間，未來的電影品質，恐怕只會更趨向於大眾化的平庸，這或許才是好萊塢最該憂心的發展。
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